Ersetzt man ›Ökonomie‹ durch ›Ökologie‹ entstehen neue Beziehungen und die Natur rückt ins Zentrum. Die menschliche Entwicklung muss unter Hinzuziehung von nicht nur monetären, sondern Werten wie ›Gleichheit‹ und ›Gleichgewicht‹ neu gedacht werden. »Die Welt hat genug für jedermanns Bedürfnisse, aber nicht für jedermanns Gier.«, schrieb Gandhi im Bezug auf die Ressourcen des Planeten.
Beispiele gibt es genügend. Die Blumenfelder am Fluss Yamuna in Delhi existieren seit mehr als 200 Jahren. Hier ist der Fluss noch sauber, bleibt unberührt vom Abwasser der Stadt. Die Erde der Flussufer ist sehr fruchtbar – jedes Jahr wird sie von den Hochwassern aus dem Himalaya herab geschwemmt. Bauernfamilien bewirten hier seither hunderte von Ringelblumenfeldern, ohne Pestizide oder Dünger zu verwenden. Der Blumenhandel ernährt nachhaltig Land und Menschen.
Es gibt aber schon neue Pläne die Ufer in Luxusdomizile mit Flussblick für die neue Elite zu verwandeln. Auch der alte Bauernmarkt soll der ›globalen‹ Stadt Platz machen. Die Landwirte befinden sich im Dilemma einer Konkurrenzsituation zwischen ihrer lokalen Wirtschaft und globalen Zukunftsfantasien.
Die Fruchtbarkeit des Geldes hat die Fruchtbarkeit der Erde ersetzt.

Mexikos natürlicher Umwelt ist durch die Abholzung gefährdet, die sich auf alarmierende Geschwindigkeit verbreitet. Die Zerstörung des Regenwaldes bringt die einheimischen Gattungen in eine Notfalllage, was Folgen für das ganze Ökosystem auf der Welt hat. Jedes Jahr veliert Mexiko 500,00 Hektar Wald und Regenwald und gefährdet damit über 900 Tier- und Pflanzenarten. Die institutionellen Programme sowie die Nachfrage des Marktes haben dazu beigetragen, das verschiedene Gemeinschaften das gesamte Ökosystem als Felder und Graswiesen benutzen. Auch tragen die unkontrollierten Feuer dazu bei, die Beschädigung der Umwelt foranzutreiben. 2050 wird das Jahr sein, in dem es kein Zurück geben wird und die Konsequenzen der Abholzung werden nicht nur das Wildleben betreffen sondern werden auch fatale Folgen für das Ökosystem und die Menschheit haben, in dem sich die Wasserversorgung verschlechtert und sich der Klimawandel verschärfen wird.

Die Installation 2050 besteht aus einer Reihe von Postkarten die als Intervention für die Gallerie entworfen sind sowie einer Aktion im öffentlichen Raum. Die Position beinhaltet eine große Intervention an der Fassade der Kathedral von Puebla Zocalo sowie einer vergänglichen Skulptur aus Postkarten, die das Jahr 2050 darstellt.

Die Arbeit ›still-leben‹ reflektiert die Ästhetik und Bedeutung unbeachteter Objekte unserer Überflussgesellschaft – Stilleben. Die Objekte wurden auf den Straßen von Berlin fotografiert. Es sind Objekte des Alltags – bunte Getränkedosen, zertreten und überfahren; take away Getränkebecher, zerknäult; Essensreste, achtlos hingeworfen.

In der europäischen Kunsttradition verstehen wir unter Stillleben die Darstellung toter bzw. regloser Gegenstände. Deren Auswahl erfolgte nach inhaltlichen (oft symbolischen) und ästhetischen Aspekten. Das Anliegen der Maler war es, einerseits Objekte der Natur und des alltäglichen Lebens in ihrer Schönheit zu erfassen und wiederzugeben und andererseits eine verschlüsselte Botschaft, einen gedanklichen Inhalt, zu vermitteln.

Ihrer Sprache und ihrer Einstellung treu bleibend, übertrifft Marlene Almeida sich immer wieder selbst. Ihre Sinne sind von Natur aus stets geschärft und durstig. Ihr Blick kartiert ihren Pfad, auf der Suche nach neuen Entdeckungen in der Natur.
Die Sorge um die »Natur der Zeit« fokussierend und auf ihre Verbindung mit der Erde vertrauend, verwendet die Künstlerin diese für ihre Malerei und ihre Objekte.
Im Memorial da América Latina präsentiert die Künstlerin eine Intervention in den Außenraum – dort wo Beton das Grün ersetzte – eine Art Wiedergutmachung bzw. Erinnerung an den Atlantischen Regenwald (Mata Atlântica): eine lange Liste von Namen der Bäume, geplottet, einen Laufsteg bildend, auf der Eingangsrampe der Galeria Marta Traba.

Marlene Almeida, geboren 1942 in Bananeiras, Brasilien, lebt und arbeitet in João Pessoa, Brasilien.

Alÿs inziniert Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) 1997 in Mexico City. Der Film zeigt eine simple und scheinbar sinnlose Aktion – ein Eisblock wird 9 Stunden durch die Straßen der Stadt geschoben, bis er komplett schmilzt.

Das Thema der Transformation, die per Definition poetisch aber gleichzeitig subversive ist, ist ein zentraler Bestandteil in Alÿs Arbeit. Es gibt eine Balance zwischen Abwesen- und Anwesenheit… zwischen der Idee und dem Objekt… zwischen dem was da ist und dem was nicht da ist; der Raum zwischen den Dingen wo eine Transformation stattfindet.

All seine Aktionen beziehen sich auf einen spezifischen Kontext und Zeitpunkt. Er wiederholt sie daher nicht irgendwo anders.

Wunder-Duftbäume aus Pappe monströs skaliert zu einem Wald, in dem man sich verstecken, vielleicht sogar verlaufen kann, lassen den Betrachter schrumpfen. Die Liebe der Deutschen zum Wald ist nicht neu, doch das hier ist kein Ort der Erholung. Schon gar nicht handelt es sich bei dieser Arbeit, trotz ihrer immergrünen Erscheinung, um eine sakrale Allegorie der Hoffnung. Sehgewohnheiten und Werk driften auseinander. Die anfängliche Faszination über die ästhetisch gelungene Ausführung der Surrogate – also Ersatzstoffe – weicht einem ungefähren Unbehagen. Statt echter Pflanzen nur Pappe und Farbe und der Materialwert so hoch wie die Anschaffung eines Originals. Alles ist so perfekt nachgebaut; die nutz- und geruchlose Imitation einer Massenware, die wiederum etwas vollkommen Kostenloses imitieren will: Die Natur. Wozu das alles? Was ist aus dem guten alten Waldspaziergang geworden?

Da ist er also, der Weltschmerz; ein alter Hut. Natürlich ist die Bitternis, die mit dem Verlust von Werten einhergeht, zutiefst romantisch, aber zugleich so relevant wie ehedem. Und genau hier liegt die große Stärke von SCHAUM.
Bei Artist Collective SCHAUM steht das Konzept der jeweiligen Arbeit und die entsprechende Herangehensweise im Vordergrund und nicht die Festlegung auf ein bestimmtes Material, eine Gattung oder eine dadurch wiedererkennbare Handschrift.

Néle Azevedos »Minimum Monument« befindet sich im Dialog mit der langen Tradition des Denkmals: eine Sehenswürdigkeit, dazu geschaffen, durch die Geschichte etwas im Stadtraum zu verewigen. Allerdings kehrt Néle Azevedo die Richtung der dieser Tradition innewohnenden Erhöhung um und arbeitet in den Registern von Prekärem und Unbeständigem.
Dieser Weg impliziert die Akzeptanz der Tatsache, dass die heutige Erfahrung immer unvollständig und nicht mehr ewig ist. Ihre winzigen Eisskulpturen, die in zahlreiche Städte in der ganzen Welt reisen, treten an »erhabenen« städtischen Orten auf und fordern entschieden zur Reflektion über den Riss und die Endlichkeit auf, die die Lebenszeit und der Ort des Einzelnen in der Masse unter dem Gewicht der Geschichte sind.
Ihre Skulpturen scheinen Gebilde zu sein, denen die tägliche Bewegung der Menschen ebenso gleichgültig ist wie der gewöhnliche Reiz von Werbung im Stadtraum oder bezaubernde Landschaften. Daher vermitteln diese Skulpturen in ihrer kalten Ablehnung der Welt den erstaunlichen Eindruck, sie seien zu einem gewissen Grad realer als Menschen.
Einerseits sind Menschen nicht lichtdurchlässig, also verschwinden sie im Gegenlicht. Andererseits wächst in den Eiskörpern der Skulpturen, konzentriert auf ihr kristallines Inneres, kontinuierlich eine weiße und verschwommene Wolke, wie ein Rückgrat, das aufsteigt, während ihr äußerer Körper verzehrt wird. Könnte es eine bessere visuelle Übersetzung der immateriellen Idee der Seele geben?
Dies liegt der Arbeit dieser Künstlerin zugrunde: der Tod als Ritual und Trauer als Transzendenz; das ist die Möglichkeit der Fortsetzung des Lebens. Und hier nun lässt sich ein Bogen schlagen zum Begriff des Denkmals oder Monuments, dessen historische Wurzeln sich auf das Heilige und Beisetzungsrituale zurückverfolgen lassen – Gräber und Tempel. Ihre Monumente allerdings sind Minimum. Also geht es bei der Bewegung, die ihre Arbeit begründet, weniger um die Notwendigkeit, ein kollektives Gedächtnis weiterzuführen, sondern um die vergängliche individuelle Erfahrung der reinen Präsenz in einem nicht wiederholbaren Augenblick als einem Opfermoment.

Text: Guilherme Wisnik

Weiteres Material

Néle Azevedo bei Article | 10

Konstantin Bayer versteht seine Arbeit als Künstler, Kurator und künstlerischer Leiter von EIGENHEIM Weimar/ Berlin als eine Einheit künstlerischer Praxis. Als Künstler hinterfragt er die vorherrschende Konsumkultur und Wegwerfgesellschaft, das Umweltbewusstsein und gesamtheitliche globale Entwicklungen. Als Kurator bettet er diese und andere Themen in vertiefende Kontexte ein und als künstlerischer Leiter erarbeitet er sich ein Umfeld kollektiver Praxis.

Vielseitig sind dementsprechend auch die verwendeten Medien. Objekte, Installationen, Fotografie, Film und Performance, oder Environements, partizipative Rauminstallationen und Internetprojekte. Unterschiedlichste Materialien und soziale Handlungsräume kommen zum Einsatz. Ob Kohle, Bitumen, Beton, Plastik, Readymades in der Kunst, oder Baustellen, Gefängnisse, oder Tiefgaragen in der Kuration. Auch sein Wirken als künstlerischer Leiter von EIGENHEIM Weimar/Berlin kommt in auf die Institution Bezug nehmenden Kunstwerken, wie in der Fotografieserie »Referenzobjekte unserer ästhetischen Alltagskultur«, in der Bewahrung der »Eigenheim Decke« als raumgreifendes Objekt, oder als partizipative Rauminstallationen wie dem Nachbau eines Chinesischen Restaurants zum Ausdruck.

Die Arbeiten aus der, zwischen 2015 und 2017 entstandenen, Serie »Artarticles« bestehen ausnahmslos aus Artikeln, welche auf Amazon erworben werden können. Diese können direkt auf www.art-articles.com in Form eines mit Amazon verknüpften Einkaufswagens bestellt, zu Ihnen nach Hause geliefert und von Ihnen selbst, mit Hilfe einer vom Künstler zur Verfügung gestellten Anleitung, aufgebaut werden. Sobald dies geschehen ist, machen Sie vom Nachbau ein Bild und lassen Sie es dem Künstler per E-Mail zukommen. Wenn der Künstler Ihren Nachbau als gelungen und der Anleitung entsprechend anerkennt, bekommen Sie eines der fünf für jedes Werk zur Verfügung stehenden Echtheitszertifikate zu Ihnen nach Hause gesandt. Bezahlt wird ausschließlich der Warenwert der einzelnen Produkte, der Künstler erzielt aus dem Prozeß keinen monetären Gewinn. Konstantin Bayer knüpft auch in dieser Serie an sein bisheriges Formen- und Themenspektrum an.

Biografie Konstantin Bayer

geboren 1983 in Gotha / 2001 – 2004 Berufsausbildung zum Umweltschutz-Technischem Assistenten / 2004 – 2011 Master of Fine Arts – Bauhaus-Universität Weimar und Master of Art – Tongji-University Shanghai / 2006 – Gründung der Galerie Eigenheim in Weimar / seit 2011 selbständig als Künstler und Kurator und künstlerischer Leiter der Galerie Eigenheim / lebt und arbeitet in Weimar und Berlin

Informationen zu den gezeigten Arbeiten

The Wave, 2013
ca. 1.500 geschmolzene PET Flaschen, Stahl / 80 x 50 x 118 cm

Bildobjekt 02, 2016
Vase mit Blumen von Henri de Fantin-Latour (Direktdruck auf Alu Dibond 40 x 40cm), kleines Wandregal aus Plexiglas, Fiji Wasser PET 500 ml

Landschaft auf Regal, aus der Serie Artarticles, 2015
Wandregal (Loggia, 60x15x4 cm, weiß), Mischwald (25 Bäume, 65-150 mm), Rückfahrkamera (170°Grad, Farbkamera), 5″ Monitor TFT LCD Display, E27 3W LED RGB Disko Lichteffekt, Sand (Sahara gold“, formbar 5 kg), Netzteil (12V, 1,4A), Lampenfassung (E27, schwarz), Steckdosenleiste (dreifach, weiß)